画展观后感1

　　莫奈特画展观后感

　　前段时间观看“莫奈特画展”的时候，恰赶上礼拜五午后观展小高峰。人群稍稍有些许拥挤，但是当眼神已然触碰到画布时，目光便不再随着自己流转，那小半天成为了我生命中一个被隽刻的瞬间。展厅里，固然是人群距离亲近，观展环境欠佳，我却仿佛随即走进山涧浅滩，爬过山坡木屋，又或者站到了林荫下的池塘边，各种色彩与画家的境遇带着一股清澈的空气扑面而来，不由自主地令人陷入了一种倾听的氛围，而倾诉者自然是莫奈特与他的战友们。

　　倾诉带着线条带着油彩风夹着莫奈特肖像中的他的英俊的眼神，在我的鼻尖生成夏日睡莲的恬淡气息，在眼前砌成秋日午后毗邻池塘的精致小花园，看着不存在的主人公啐饮着一杯薰衣草泡制的淡茶。

　　而画作一米线处，如果你敢于轻轻小声贴近，那层层交错、反复交替的丰满笔触与丰润的色彩，立即就撼住了人的双眼，我不敢轻举妄动，又挣扎着想要跳脱逃离这种厚重的力量。不得已悄悄退避于人群三米，假装自顾坦然，站在有些细碎交谈声的大厅中央，透过所有人的头顶发梢，小小的我，凝视着不远处画作中池边倒影，来时轻浮的心顿时宁静下来。

　　我们熟悉的水墨与西方油画之别，在于它们带给普通人截然不同的欣赏感受。水墨，轻盈剔透，既不禁锢你，又不断然释放你，自由的想像空间绝不允许你偏离画作的内容，只由着你在目光细微处自行勾勒高山远水中隐密小屋的黑瓦白墙或牡丹花枝深处的一颗露珠的形状。而油画，即在表面给予你粗重的线条与层层不断往复的风干又打湿的油彩，又借助于画家驾驭光的能力，用厚重的色彩禁锢住你的目光，又同时在画中释放你的所有想像，任由你行走在它们的灵魂中。

　　我把莫奈特视为战士。晚年的失明令他与时间成为了敌人，而正是在后期的那些画作中，他表达着理想化目标的完成与无法完成的顺其自然的共振。可以说因为莫纳特，西方印象派不再是孤帆远行的艺术。然而他从未公开将自己归纳为任何流派，我想这就是他安于宁静，却作品浓密丰厚的原因。

　　安静地坐在展厅出口处，我等待着分散开的朋友。五米外，那幅隐藏在阴影中等待出售的复制品《船》，如一位睿智的老人凝视着我。情不自禁地我又深深落入了《船》墨绿色多姿的迷醉夏日里，在浓密的林荫下褪下尘埃，做了一场仲夏夜的好梦。

　　人生，难免孤帆远行，而谁又能料想那一刻却是风景独具?

　　很想把《船》带回家，但是留在这里肯定比拥有它，更令我着迷。

　　画展观后感2

　　莫奈画展观后感

　　写在前面：

　　莫奈的画展在北京掀起了一股印象主义绘画的风潮，群里的朋友们也都很有兴趣，纷纷带着孩子走进展览。下面这篇观后感是我们群内资深会员张然写的，通过这篇文章，仿佛又回到了展览中，听石老师娓娓道来那段历史。

　　上周五参加爱乐活的团购，带孩子去看“莫奈时光映迹”画展，画展采用了投影技术，做出的动画及放大的绚丽色彩，有着超出原作的惊人效果。不但大人们看的入迷，孩子们也看的津津有味。参观这场画展，还特别受益于爱乐活请到的美术专业的讲解老师，她用娓娓道来的语气，为我们讲解这些画的历史背景，绘画特色，风格变化等等。

　　首先，我们看了几幅风景画，初步了解了印象派代表人物和创始人之一的克劳德·莫奈(Claude Monet)画作的特点，没有明确的平涂式的轮廓线，也没有非常明显的阴影，而是主要是通过光与色的明度差别变化来进行细腻的色彩层次描绘。甚至，讲解老师提到，莫奈的画作中，没有黑色。而是通过色彩分解和组合，形成明与暗，光与影的光谱色彩，使画面浑然一体。在莫奈前半生，都在追逐光亮面的丰富色彩。我们看到，白雪中的树，林中的母子等等，莫奈在亮色中找到了纷繁丰富的色彩，这需要画家具有敏锐的感受力和捕捉能力。但在莫奈后半生，因为家庭的变故，身体的衰老，莫奈开始关注阴影面的色彩，尤其在系列睡莲画中，表现了层次变化的幽暗感觉。

　　在几组人物画中，讲解老师介绍了这些画家的相互关系，以及他们对印象派作出的贡献。

　　在一组画作中，有野罂粟、撑阳伞的女人、午餐，树林里的聚会以及临终的卡米尔等等，以莫奈的爱妻卡米尔为模特，展现了莫奈前半生的婚姻和家庭生活，自然风景的鲜活明快，家庭生活的优雅闲适，母子相依的温馨恬淡。尤其是撑阳伞的女人这幅画，虽然人物面部有轻纱遮挡，五官是不清晰的，但是似乎看到这个女人温柔的眼神，绰约的动态风姿。仰视的角度中，阳光下的白裙子在画面中显得非常突出，蓝天、白云，和撑起的绿伞，映衬中使她的白裙子有了极其丰富的色彩，这正是莫奈画作的特点，捕捉到光亮中的变化和多彩。也可见，爱妻在莫奈心中是最美的存在。讲解老师一边为我们讲解莫奈的生活与绘画，还一边提问小朋友们，这幅画是什么角度，用了什么颜色来画白色等，于是小朋友们欣赏画作的神情更加专注了。

　　莫奈常常在普通的风景中表达美感，这得益于他对景物的观察细致入微，对光线的变化敏锐捕捉。后来，莫奈创作了几个系列的联画，就是在同一处场景画出几幅甚至十几幅作品。如《草垛》《睡莲》等，展现同一场景在不同天气、不同光线下的不同色调，放在一起展出，有着真实时间变化的感受，就像加入了时间轴的四维效果，让人不禁慨叹，是画家留下的光与色的印迹，让我们体会到一瞬间是怎样变化的。

　　我们来到莫奈的名作 “印象·日出”前，这是一幅描绘阿佛尔港口雾中日出的油画，依稀可见的港口和小船，模糊的水面和天空，雾中的日出带来一抹光晕和水中斑斓的倒影，虽然那些小船和桅杆不明确不清晰，但整幅画给人带来一种静谧的港口印象。讲解老师用生动的语言介绍，当时，莫奈这幅名为“日出”的油画参加了联合展览会，由于它突破了传统画法的束缚，在当时是一种实验性和创新性的绘画风格，不能被一些同行所理解，也因此遭到一些批评家的讽刺，说这是一幅未完成的画，只是一个印象而已。莫奈想，好，我这幅画就叫“日出.印象”，我们就叫印象派。一个绘画流派从此诞生了。

　　当时的社会，刚刚发明了火车，由于艺术家对新鲜事物的好奇和敏感性，莫奈画出了《圣拉查尔火车站》，这幅画也是印象风格的名作，并不轮廓清晰的机车，光线空气、玻璃顶棚，蒸气烟云，组合表现了动感、力量、空间对比，给人气势磅礴之感。

　　在莫奈晚年，因为家庭的一系列变故，和自身40多年捕捉光线的职业绘画工作，使他的眼睛患上了白内障。但莫奈依然在画着，他晚年把主要精力投注在他建造的花园池塘和他的睡莲上。树的倒影，涟漪的湖面，富有层次感的睡莲花朵，莫奈开始不再关注亮色的表现力，而是钟情于暗色的层次表达，甚至，不在乎花朵的形状，只是用富有变化的色块和明暗调子的搭配来表达一种意境。这些晚年之作是莫奈绘画创作的又一个高峰。

　　同时，谈到意境，讲解老师对比谈到中国的传统绘画，以及书法作品，感慨我们祖先的作品更是饱含人生哲学和意境的作品，那些中国画的作者，都是精通琴棋书画，擅长禅意思辨的人，所以，有很多超越画面，“功夫在诗外”的思想境界。甚至，讲到兰亭序的书法为什么好，从一个故事中，让我们体会书法中的点要有重石坠崖的力度，线要有老树枯藤的生命张力。所以，欣赏自然之美，艺术之美，是特别有意思的事。

　　画展观后感3

　　进入大厅我们便可以看到陈列在墙壁上的书画作品，一个个非同凡响。走近细细一看原来那些便是各院校的作品，大多数是国画，还有的是绘画和摄影作品。每个作品带给人们的都是一种视觉上的享受，摄影放映了生活的点点滴滴，绘画呢?告诉人们的则是个人的人生或生活的感悟，它们都是如此的具有魅力。在绘画中品出了人生，而摄影展则带给了我们无数唯美的画面，让我们由此心生向往和憧憬之情。每一幅作品都有其独特的风格，各自的韵味!都值得人们去细细品味!看了这些作品之后似乎感觉到老师们在鼓励着我们，告诉我们艺术是充满魅力的、生活是美好的、学习是无止尽的。希望我们可以好好珍惜青年时光，用心去体验生活，去感受艺术带来的无穷的魅力!

　　时光易逝，作品展也因此变得更加的珍贵，就让我们趁现在时光未流逝之际，好好去把握它们把!让我们的激情永不灭，一直伴随着它的继续而流动吧!最后，预祝所有老师们在此次的作品展中取得优异的成绩，同时也预祝此次艺术作品展活动取得圆满成功!

　　画展观后感4

　　我应邀前往艺庐参观扬州首届粉画艺术展，之前对于何为粉画我一无所知，承蒙这届粉画艺术展组织者吴伟介绍，对粉画艺术略有了解。粉画即粉笔画，只是所用粉笔经过特殊处理，与我执教期间所用粉笔略有不同而已。且粉画用纸通常为专门的砂纸，便于粉末的附着。

　　扬州首届粉画艺术展分为两个展馆：在扬州书画艺术城展出的是西班牙粉画艺术大师奥雷利奥的粉画作品，共计32幅;在艺庐美术馆展出的是扬州当地粉画作者的粉画作品，共计91幅。扬州当地粉画作者，既有袁东虎等专业的粉画家，更多的是业余粉画艺术爱好者。

　　我首先步入扬州书画展城，参观西班牙粉画艺术大师雷利奥的粉画作品，无论是风景、人物、花草、鸟兽，在他的笔下，都是那么逼真，栩栩如生，活灵活现，难怪被冠以超写实的美誉，果不其然，令我感到有一股强大的艺术冲击力，震撼着我的视觉，激荡着我的情愫。

　　粉画与油画、水彩画，都属于西方绘画艺术，与中国画的最大区别在于：注重写实而非写意。写实，须以素描为基础。只有素描过关，再作粉画，方能臻于超写实的境界。当然，铅笔之素描与粉笔之粉画，虽然有关联，但用粉笔作粉画，与铅笔画素描，技法上还是有分别的。

　　粉画的写实，是艺术的写实，倾注了粉画作者的主观意识与情感，粉画作品所表现的无论是风景、人物、花草、鸟兽，都较现实中的真实，平添了诸多审美的情趣，蕴涵了某种思想的意境，引导着粉画观赏者，沿着粉画作者所指引的方向，体味美的意境，思考生活的现状。

　　我参观西班牙粉画艺术大师奥雷利奥的粉画作品之后，又步入艺庐参观扬州当地的粉画艺术作品。据吴伟介绍，过去扬州的粉画艺术爱好者无多，近年则有增无减。目前扬州成立了专门的粉画专业委员会，挂靠扬州美术家协会，对推动扬州粉画艺术的迅速普及功不可没。

　　在展出的扬州当地的粉画作品中，既有像袁东虎、李运军、吴伟、廉娟、郭建国等艺术水准较高的粉画作品，也有许多新近加入粉画爱好者行列的后起之秀的粉画作品，尽管从审美角度，两者粉画作品存在着艺术水准上的高下之分，但这么多粉画作品参展，令人欢欣鼓舞。

　　我在艺庐参观扬州当地的粉画作品时，偶遇参展的粉画作者吴伟、廉娟、郭建国等，并与之攀谈、合影。据说从12月2日开展以来，参观者络绎不绝，其中不乏画坛耆宿，他们对于扬州举办首届粉画展就能有如此之多，并且艺术水准不低的粉画作品参展，觉得惊诧不已。

　　吴伟向我介绍，为了筹备这届粉画展，筹委会共筹集近十万元，租了两个展馆，专门邀请西班牙粉画大师奥雷利奥前来举办个人画展，并在当地媒体广为宣传，还邀请了国内画坛名家前来助阵，声势之大，前所未有，对扬州粉画艺术的未来发展，具有不可小觑的强劲影响。

　　我参观之后，对扬州首届粉画艺术展感触最深的，是粉画艺术水准高，西班牙粉画大师奥雷利奥享有国际声誉，他的粉画作品曾在世界多国多地展出，他能到扬州办个人粉画展，对于提升扬州粉画艺术水准无疑能起重要作用。扬州当地的粉画作品，亦具相当的艺术水准。

　　我还有一点感触，国画与粉画，虽然存在写意与写实的区别，但相互并非不能借鉴，国画写意应有写实的基础，粉画写实要有写意的神韵。粉画写实，是艺术地表现真实，要透过形象逼真的艺术，表达作者的信念与感受，赋于粉画作品更为丰富的历史与现实的人文内涵。

　　画展观后感5

　　林风眠画展有感

　　特别遗憾，我不是一个粉丝属性的人。这么说，是因为现在的工作常常和粉丝打交道。他们对偶像、喜爱的对象能超级激动、动情、付出……，常常让我这个在场者简直惭愧了。分析了一下，觉得自己感情少，不够花，神少，不够分，能量稀薄，不够用。所以做任何一件事，就要把其他事扔了。交几个朋友，就顾不上抚众了。

　　然后今天站在北京画院美术馆满满两层小楼的林风眠真迹前，这是我喜欢的中国画家第一名，喜欢了很久，也没有特别激动。觉得自己真缺乏形式感。

　　我在北京的大风中打车穿城，约了小毛毛和小烧包在北京画院见面看画，中午吃了随便一家的日料，很好吃。分手，我去逛了下商场。下午三四点钟，迎着大风，风中毛絮扑面，费劲地骑着魔拜单车回住地。长安街上共享单车已经蔚为壮观了，互联网大时代中的又一个小时代正在到来。

　　作为中国美术史上一位被严重遮蔽过的画家，林风眠被重新发现，广为人知，已经到了上个世纪末。大概在94、95年的样子，发现天津美术出版社的林风眠画册，是当时能找到的收录作品最多、印制最好的版本，南京的书店无货，托了北京的朋友买，又托了出差的朋友从北京背回来，很重的。720元!在当时是巨资，现在也不菲，一直在随手能及的书架上，可见不是装饰品，还是看的。不仅看，还临摹过不少。所以对他的画，算是熟的。

　　那么远，又那么近。闺蜜做书画生意，某年竟然在北京拍回一幅林风眠《仕女图》，以至于我常常有机会在林氏经典作品下喝茶谈天。有人出价要买，她有点动心，来通报我，我说，不要卖嘛!让我常去看看!当然不仅仅是因为我这句话，总之她没有卖。那幅仕女图还在她家，旁边是吴作人的一幅油画。

　　那时候我蛮闲，临摹了多幅林风眠，随手都送朋友了，送给谁都记不太清了。自己只留了一幅小小的油画，放在办公桌上，天天看我上班。留着的那幅，潜意识里觉得有点像自己，就挺喜欢。

　　出差香港，穿着高跟鞋，从九龙到港岛，上下码头上下船上下车，一忽儿昏黑剧场，一忽儿阳光大街，遇到佳士得拍卖大展，经典饕餮，有林风眠仕女图多张。没法拍照片，镜框反光里全是迷乱人影。

　　北京画院美术馆的一至二层，展出了林风眠40至70年代精品36件，作品涵盖了林风眠具有代表性的静物、花卉、仕女、禽鸟、风景精品。题为“清寂鹜影”，海报选用了青黑色调的《鹜群》，真是精准抓住了林风眠的气质。

　　看着这些作品，逐渐钩沉起十几年前看过的林风眠资料，当初撰文时的字句也纷纷闪回。为菖兰的热烈震撼，为静物的美好快乐，为郊野的秋景沉醉，为沉郁的江景压抑，为纯美的仕女惊叹，迷恋那些器物的极简线条，感怀热烈又孤独的永久底色。而后来，和戏曲开始打交道，对他的戏曲画，以及他造型中吸收的剪纸、瓷器、民间画的各种养分，更加亲近。他对中西的一拳打通、自在融合，实在是自然到了自由的境地。

　　一边看画一边想起我当时所搜刮的林风眠资料中，对于林风眠的家庭所涉甚少，引起我的强烈好奇。50年代后，他的法籍妻子带着女儿去了巴西之后，这个分处异地的家庭，到底经历了什么?那是的记录是不全的，也隐隐透出特意的规避，似有隐情。

　　到底是地球村了，世界的通联前所未有的发达。看完画展后到网上随便搜搜，就将当初我好奇的一切都搜了出来。50年代以后，林风眠与妻子、女儿、外孙的勾连，浮出水面，有图有真相。同时浮出水面的，还有争斗。一位“义女”跻身其间。一声叹息。旁人难以判断，50年代以后，林风眠和他的家庭到底发生了什么。真相，让当事人各方去自己去呈堂供证吧。

　　画展观后感6

　　顾云璈先生画展观感

　　顾云璈先生画作，尤为人津津乐道、叹赏未已者，乃其题材皆为田园果蔬之属，农家风味虽清澹，滋味却绵长，极耐回味。其笔下呈现之四时花卉与瓜果菜蔬，除却松、菊、梅、荷、牡丹、石榴、芭蕉等花木外，更有豆荚、丝瓜、白菜、青椒、蘑菇、芋艿、慈姑、萝卜之属，洋溢着浓厚馥郁之家常风味，反复挥写且乐而不疲。且常钤用一白文闲章，曰“欣欣向荣”，表露出对于笔下瓜果菜蔬蓬勃成长之期冀与寄望，犹似农人殷殷期待田苗禾黍之长成。

　　一九七九年所绘《喜丰收》，是为农家风物入画之典型。斯图左上角以水墨浓淡相间，勾勒出含苞盛放之棉花，间或以胭脂淡黄二色点缀其间，愈见花蕊临风怒放、恣意酣畅之状;右下角则摹写出大丛稻穗低垂、果实饱满之稻谷，金黄璀璨、颗粒分明，恰与白棉两相映照、互为衬托，将农家喜迎棉稻大丰收之景象和盘托出，足征画家构思布局之奇谲脱俗，以及着墨设色之别具匠心，直可与白石翁、吴缶老相抗手而不遑多让。此幅左下角，钤有一朱文闲章“庄稼汉”，其词颇近俚俗，犹农家之口头说话，然则此三字，不亦正是云璈先生立身行事之生动写照耶?躬耕于陇亩而不求闻达于世、不慕荣利于时，云璈先生正是这样襟抱散澹、怡然自处之仁人君子。

　　云璈先生早年，尝应挚友高冠华之邀，往杭州国立艺专出任庶务主任，并协助校长潘天寿负责艺专校舍之修复营造及膳食后勤诸工作。期间，得藉此机缘，与潘天寿、吴茀之、诸乐三、倪贻德、潘韵、罗叔子诸教授朝夕过从晤面，多得观摩赏味潘氏等名家书画佳制之良机。观人操千曲而中心亦不免有所振动，颇欲一试箫簧丝竹之雅奏。于是，云璈先生于日间繁杂倥偬工作之馀暇，夜阑人静之晚间，得肆其学力及闻见于笔墨绘事之中，不觉自有进境。

　　据云璈先生自述，“那时，我是日间工作晚上学传统，苦练笔墨功夫，主要学了吴昌硕、齐白石、潘天寿的写意花卉，真可谓废掉了不少宣纸。”废纸三千犹恨少，除卻摹写临习近在咫尺之潘天寿所作写意花卉，益加广搜博取、涉猎当世名家，若齐白石、吴昌硕、王个簃及黄宾虹等人所作，无不心摹手追，求其形神兼到。通览云璈先生画作，知其源出吴王一脉，尤其田园风物及花卉瓜果之属，在在可见王个簃先生之笔墨情趣与内在风神。窃以为，顾云璈先生可与曹简楼、曹用平两人鼎足而三，共同构成王个簃先生艺术之重要传人。由此一层面而言，云璈先生可谓“缶庐再传弟子”，深知其艺术真精神者，当不以余言为谬。

　　画展中予我印象至深者，为两大系列之作品。一系列为墨笔花卉之斗方四帧，四件作品分别写墨牡丹、墨梅、墨荷、墨菊，以水墨分五色状写花卉，尤见神韵。世人绘牡丹，为求玉堂富贵、华丽奢靡之气象，多用胭脂重着色且极力渲染，层层叠叠而不知穷止，似乎非如此，不足以显示其妖娆华贵气韵，乃至恶俗满纸，雅逸之气荡然无存。云璈先生反其道而行之，易粉红胭脂为纯然水墨，笔致则劲挺英豪，摹状其郁郁葱葱、葳蕤华茂之景象。其根株之侧，复缀以奇石二，磊落奇崛，如畸人逸士，正与曼妙清丽之佳人顾盼生姿，互为依倚。壮士美人，引人作无限之绮思遐想。另有墨梅一帧，写林和靖“疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏”诗意。远景乌云数抹，一轮皓月跃然出乎其中，月色澄澈异常;近景梅枝数株欹侧而出，老幹纷披、夭矫不群，笔触极老辣与沉着痛快之致，令人想见于月下梅梢，真有一缕暗香浮动袭来。赏读久之，几欲沉醉而不自觉矣。墨荷墨菊两帧，则写高华不染、孤标独立之品节操持，亦能曲尽其肖、形神兼妙。细赏此四帧墨笔花卉，亦犹想慕钦敬其背后所彰显昭示之人格精神，孤介耿直、不同流俗，或是作者自身之志趣写照。

　　另一系列为设色花果六条屏，分别写枇杷、荔枝、葡萄、寿桃、石榴、葫芦，其形制狭长，可谓别出心裁。六幅所绘，如枇杷之金黄欲滴、荔枝之燦然饱满、葡萄之明珠累累、寿桃之丰硕华茂、石榴之倒挂枝头、葫芦之瓜瓞绵邈，在在生香活色，惹人垂三尺涎。再如“抚缶老枇杷”屏条，能见其取径吴派之脉络轨辙。画面之上，大写意笔法扫出枇杷枝干数丛、果实各三五，兀自凌风挺立，并系以七绝一首及跋语云“端阳嘉果熟薰风，色似黄金不救穷;曾伴榴花作清供，馋涎三尺挂儿童。乙丑春仲，抚老缶嘉果图”。虽已点明是抚摹吴缶老嘉果图，然则先生谦抑仁厚，题跋之后或恐意未妥适，复加题云“缶老的画气势奔腾、苍劲浑厚，我只能形似而已……”，礼让恭谨之至，深恐唐突前贤，真具古君子之风。

　　习见之花卉果蔬外，云璈先生偶亦涉笔山水。其简笔水墨山水，多仿米家云山及高房山，恰如袁运甫先生所评“苍茫简远”，深具烟云蓊郁、迷濛空灵之态;浅绛着色山水，如《紫琅山北麓》《蜀西青城山》等，皆“妙悟者不在多言”，仅勾勒峰峦岩岫之大体轮廓，旋即着色敷染，不事浮华、不慕奇巧。另，赏观云璈先生画作，倘能留意及于题跋书法，亦将有得。如题款隶书“秋艳”“秋酣”“报春图”等等，显见师法潘天寿之题画;而大段挥洒落墨之行书，则胎息于吴缶老与王个老，可见其博观约取之从艺精神。

　　揆诸云璈先生一生行止履迹，相继于南通中学、南通市一中、杭州国立艺专、南通博物馆、南通书画院等文艺教育机构任职，不独书画艺术禀赋卓荦特出，而其诗文与国学素养更是渊深博雅，亦是典型之中国传统文士。其题画诗文有若明清小品，简劲凝炼而神完意足，读其画跋，亦犹品味清言散文也。如题《梅林春晓》，“南通西山滨江山坡上新筑茶楼一座，称梅林春晓，四周遍植梅树。若干年后，初春花放，当有此胜景也。壬戌冬月，琅东顾云璈画。”画幅之上，苍松三株偕梅林植被于黄泥马鞍两山山麓，山腰山巅各有高阁面临江渚，远望江面浩渺壮阔，渔帆数点散列其中，江天尽处则晚霞粲然景象，好一幅梅林春晓、渔舟唱晚图!再如题《紫琅山北麓》，“在五山公园望紫琅背景山麓，有观音岩、滴珠岩、题名坡、听松亭、林溪精舍等胜迹，境颇清幽。庚申冬月，琅东顾云璈画。”画既清雅，书复隽秀，文更佳妙，三绝如斯，引人神往不置。

　　因赏观云璈画作，联想及于其人之名与字号。云璈先生字玄圃、号阆风，此字与号之取用大有出处在焉。所谓“阆风”，乃山名，古代相传为神仙居所。《广雅》云：“昆仑虚有三山，阆风、板桐、玄圃”，《淮南子》又云:“玄圃、阆风、樊桐，在昆仑阊阖之中”，可知“玄圃”与“阆风”乃为昆仑山脉连绵群山中之两座主峰，其势卓绝特立，高耸云表。云璈先生择此二词作名号，或意欲其身心能类如昆仑山中“玄圃”“阆风”两座峻拔超迈之高峰，凭虚御风而遗世独立于苍茫寂寥之亘古天地间。其心志之高洁朗畅，于兹可见一斑。

　　三数年前，尝购得南通书画院编辑出版“画家丛集”之《顾云璈》一书，仅三十二开本之戋戋小册，书中收录有顾云璈《深切的怀念——忆与潘天寿先生相处的日子》一文，以及管惟吾、徐海宾、朱漱梅、沈启鹏诸位品评云璈先生其人其艺之评介文章。近日夜榻之上挑灯重读一过，益感云璈先生人品艺品之卓绝可贵，以及范曾先生题词“艺德兼美”之恰切得当;再观书前云璈先生影像，身形瘦削而面容蔼然和悦，确乎为恂恂然之儒者气象，令人益增感佩敬仰。此书出版于一九九七年，迄今恰二十年整，二十年后，我辈复能于山水环峙之崇川美术馆，得睹云璈先生摹绘家山风物之书画佳作，先生地下有知，想亦慨然笑慰也。

　　丁酉端阳后五日，于双枇杷馆北窗

　　画展观后感7

　　在秋季的一个午日，我参加了芳洲文学社精心策划的“大学生美术书法知识”学习活动，来到了神农大剧院参观第六届湖南艺术节美术书法摄影精品展 。

　　古人云：“挥毫当得江山助，不到潇湘岂有诗。”湘风楚韵，孕育了大批优秀文墨骚客。一进展厅，首先映入眼帘的是一幅幅书法。蛇走龙腾、银勾铁画，各种字体相互映衬，无不彰显着作者的深厚功底。默默观赏着这些字画，我的心境达到了前所未有的宁静，开学以来一直存在的躁动也得到了缓解。罗曼.罗兰说过：“艺术是一种享受，一切享受中最迷人的享受。”在这一刻，我切身体会到了这种感觉。而在这众多字画中，我最喜欢来自岳阳的李建军作的楷书《送东阳马生序》。字如其人，我在细品这幅字画时就如同在与背后的作者交流一样。艺术的伟大意义，基本上在于它能显示人的内心情感、生活的奥秘和热情的世界。我从遒劲灵动、结体严整的字体中品到了作者心到笔及的状态，这也感染了我的心境，让我受益匪浅。

　　字画之后呈现在眼中的是具有中国传统文化艺术特色的国画。中国笔墨经历千锤百炼，已达到精湛绝伦的境界。中国画非常讲究"神"“能”“妙”“逸”四品。神者得其意，能者得其状，妙者得其趣，逸者得其气。并且这些在展的国画都做到了“立足传统、跟紧时代、吞吐古今、涉猎中外、鼓励独创”的准则。无一不是精品。其中有一幅画画了东、西方的女子。作者以极其细腻的手法突显双方各自的美。东方女性身着旗袍，优雅静谧。西方女性穿着礼服，高贵秀丽。作者善于立足传统，跟紧时代，将国画与现代结合，让人眼前一亮。避免了千篇一律的审美疲劳。这一刻，我不禁赞叹国画包罗万象、变化万千的特质与“尽精微，致广大”的艺术效果，整个人身心都轻松愉悦了起来。

　　最后我们欣赏了现代摄影作品，作为近代衍生而出的新艺术形式。摄影能把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图象。每一张照片，都是时光的标本。它能记录时代的变迁，保留唯美的旧时光，是文明的手印。摄影的真正魅力揭示世界表象之下神秘的陌生，我非常欣赏的一幅摄影作品《穿越》就很好体现了这点。照片中白雾漫漫、山陡坡峭，但云雾缭绕之中，高架桥上却穿出一辆列车。如同来自不同世界的物体通过未知之门穿越而来。这幅作品极好的体现了我国科学技术的进步与时代的变迁。看似格格不入，实则具备特殊美感，让人大为赞叹!

　　我与同行的其他社员在观赏一个多小时后，毫无倦意地结束了活动。此刻，我真正的体会到了艺术的魅力，明白了艺术教育在当代社会具有怎样的价值和意义。它能提升人的心理适调能力，有助于人的人格形成，更能培养人的创新能力。所以，我认为艺术是人存于世必不可少的存在。而拥有众多闲暇时间的大学生，更应该去观赏艺术，为以后的精彩人生更添光辉!

　　画展观后感8

　　《看得见的旋律》画展观感

　　亚里士多德曾说人有五种感觉：视觉、听觉、味觉、嗅觉和触觉，现代人有第六感之说，第六感应为美感。

　　偶然闯进一个沪上知名画家齐铁偕的小画展，有一种突然被抓住的感觉。

　　铁偕先生的画展名曰《看得见的旋律》，以视觉之画佐证聆听音响之联觉，并配以小诗，此通灵跨界手法，既为私享，又可做公示。

　　第一个被抓住的画面名为《悲怆》。

　　如果不是尺幅限制，我想画家一定会以漫天接地的黑色淹没视线，是的，黑色，就是黑色，这是《悲怆交响曲》的主旋律。无边无际的黑暗，是作曲者柴可夫斯基的心灵写照，人生为苦，苦海无涯，何处是岸?

　　俄罗斯民族似乎有一种生就的悲怆感在里面，《悲怆交响曲》是柴可夫斯基生命中最后一部作品，创作完《悲怆》之后，不久，柴可夫斯基就因霍乱去世。

　　创作了无数美妙旋律的柴可夫斯基，骨子里是一个极为悲观，甚至厌世的人。作为一个乐观者，我无从理解柴可夫斯基悲从何来，怆由何生，但依旧无法不被他无边的绝望所动容。

　　在第四乐章，有一段极为真诚的旋律，仿佛是老柴洞见自己宿命的终结，在向人们感叹，总结人生的悲凉之余向世界做无奈的告别，这段旋律渐渐消失，最终跌入无边的黑暗和沉寂，如同生命之火在暗弱中逐渐熄灭。

　　画的中央是一道白的光柱，和一团像火一样的红色，显得十分突兀。

　　夜的黑，托出火的亮。

　　第二乐章中的一段愉悦的旋律，欢快轻盈，又被突如其来的暴虐无情中断，内心的焦灼、挣扎、恐惧、不安，是作曲者一生纠结痛苦的写照。老柴一生美妙的旋律，或许只是为了与自己的悲剧人格和懦弱性格的争斗，不在黑暗中沉沦，不在绝望中堕落。

　　于是有了光和火。

　　在人生的苍茫、暗弱和无边苦海中，我们都需要一道光引领心之所寄，魂之所依，我们都需要一团火，做普罗米修斯式的自我救赎。

　　悲怆交响曲太沉重了，我们来说点高兴的。

　　如歌的行板是老柴一部弦乐四重奏其中的行板片段，因旋律优美，被演绎 成多种版本;其中大弦乐乐团的版本尤为经典。

　　一段美好的旋律，可以引起无数的遐想，荒山秋月，春草蔓蔓，绿水逶迤，或是萧萧风语过耳，都是拜一段旋律所赐，纷至沓来的迷离景象。

　　俄罗斯的作曲家似乎有一种秉赋，就是在极致美妙、美好的短暂存留中，总使人想起忧伤，让我们在感叹美好的馈赠同时，也感伤美好的转眼即逝。

　　所幸有画家为我们将美好定格下来，做了长久的留存。

　　这幅画也妙，虽与我脑中幻想的场景不尽相同，引入我脑际的是“反差”一词，以似有还无的中国水墨意境，反衬俄罗斯的美景忧伤。

　　这幅画是湿漉漉的，水边的曼妙和灵动，在笔意中流转，中国水墨式深暗相间，并有大片留白，暗藏有吴冠中式的空灵。以此意境场景吟唱俄罗斯的“如歌行板”，颇在意料之外。但这个小小的意外也值得咀嚼回味。

　　马斯奈的《沉思》是音乐会的保留曲目，因为旋律悠远、静谧、绵长而为人们所喜爱。

　　画家却从中体悟出人间三昧，攀越至极致体验。

　　一片金黄的山岳般色块，在苍茫的蓝天或碧水间闪耀光芒。

　　人生能有几次如此的极致景观?

　　对我来说，只有两次，一次在四川大淝水攀至山顶阴阳界，雾气尽散，云海蒸腾，贡嘎山跃出海面，在即将陨落的夕阳余晖中无声地泛光。

　　另一次是在西藏那曲，漫天缭绕的带状云雾遮掩了绵延百里的雪山，雪山在视野的穷尽处，天地茫然相接处，有如被一道灵光击中。

　　这样的人生场景，当属神灵附体，一旦降临，便化为机密和永恒，无需择言——多余的话，可以交给画家藏在后面不语的微笑。

　　写尽月光风流的，莫过于贝多芬和德彪西。

　　德彪西是十九世纪末、二十世纪初承上启下的音乐大师;说起德彪西，还要说他和东方艺术的渊源。德彪西的另一个标签是“印象主义”，这和他的祖国的诸位“印象派”画家师承同宗，相互影响。“印象派”是近代最有影响力的画派，印象派大师除了荷兰人梵高外，其他几乎均为法国人：莫奈、马奈、高更、雷诺阿。

　　一个插曲是，很多法国印象派大师认为他们从日本浮世绘艺术中汲取营养和灵感，殊不知，日本的艺术风格渊源于我泱泱中华之艺术宝库!

　　所以，你可以从印象主义的音乐和印象派画作中找出东方式直觉、性灵的影子，这和西方的反照物化本真的艺术传统有所不同。

　　所以你会看到在齐铁偕先生笔触下粼粼月光下荡漾的水纹清辉，几乎可以被融入“海上升明月，天涯共此时”的东方诗歌意境里。

　　德彪西在如水的月光下望见了什么?我好像总是在听到水月和淙淙琴声中对往昔和生命的无比眷恋。

　　《六月船歌》是柴可夫斯基钢琴组曲《四季》中最出名的一首，这套组曲共12个片段，每个片段都对应一幅春夏秋冬不同的场景。在六月宁静的水面上，四顾静谧，歌声婉转，风光旖旎，人生倦意，船儿慵懒，撑一柄船桨，划破湖水的平静，直至涟漪的幽深远处。

　　齐先生的画作中，天空被大块的黄色、蓝色色块割据，船桅分割了水面和天际线，在俄罗斯式的柔软里面，画家听出了起帆和风声的呼应。

　　结语

　　方寸之间 回味隽永

　　感谢画家通启了我视觉和听觉的闸门，这是一篇私人日记，没有评点，只有记录和还原。人生中美好的瞬间过于短暂，只能依靠文字长久的存留。而偕越各种艺术门类如齐铁偕先生者，可以他的美术和文学能力，为我们将此短暂的美好凝固在画作尺幅上，诗作方寸间，而使这样的回味更为隽永，正如同音乐之大者，可使旋律绕梁三日，余音不绝。

　　画展观后感9

　　观“四僧”画展有感

　　北京故宫博物院在武英殿推出《清四僧专题展》。我记得1997年上海博物馆曾举办过《清四僧书画展》，我约上一个南京的朋友一起去了上海，专程去看这个展览。前两天又从济南来到北京专门去故宫武英殿看了故宫博物院举办的《清四僧专题展》。这两个展览的展品是不同的，印象中上海的展览八大山人、石涛的精品多，而故宫的展览是渐江和石溪的精品居多，各有千秋。这二次观展相隔了20多年，这期间我经历了很多，改变了很多，所以观摩的感受还是很有差异的。

　　去故宫武英殿那一天，观看展览的人相对来说还是不少的，以往在这里的大多数展览都门庭冷落。在熙熙攘攘的观众中，有很多现场教学、指导的人，聚众大声高谈阔论，讲的无非是书本上那些人云亦云的东西，没有自己的见解，从一些人的观后感和评论中看，我感觉大多数人对“四僧”的了解不多，更谈不上深入，而且研究“四僧”的切入点也有偏颇，甚至对“四僧”的定位还是停留在上世纪六七十年代的观点上。人们对“四僧”的关注多，大多数不是对“四僧”的艺术有多了解，有多感兴趣，而是被“四僧”的故事所吸引。而与“四僧”在美术史上有着同等地位的“四王”，因没有值得人们感兴趣的故事，加上他们和清朝统治者之间的互动关系，在紧绷阶级斗争一根弦的年代，受到批判和冷落，由此而形成的一种惯性思维，至今仍有一定的市场，所以关注度远不及“四僧”。其实对继承中国的传统绘画，“四僧”“四王”都是不能缺少的。“四僧”是秉承佛家、道家的思想，是在绘画中追求自性，注重书画的自我意识，是“个性”的代表;而“四王”是遵循儒家思想，强调循序、品秩和“共”性的延续的代表。站在学习者的角度看“四僧”和“四王”，在各自的理念上应是相辅相成的、互补的、不能或缺的。

　　后人学习“四僧”，最大的弊端是完全把重点放在研究其技术层面上，忽视其艺术理念和精神层面的东西。当然，并不是每个人都能打开他们精神世界这扇大门的，这需要自己用真诚、执着及个人的品格这把钥匙来开启的。初学者是不宜直接学习“四僧”，事实一再证明这种极具个性化的表现形式，再发展提升的空间极小，而且越是个性化很强的表现形式虽然具有很强的吸引力但更具备很大的束缚性，一旦进入很难摆脱。勿怪俗言道：“大师傅门下出二师傅，二师傅门下出大师傅”。这使我们明白，为什么过去的老先生一再强调初学者应该从“四王”入手的原因。“四王”的作品传承了很多共性的东西，共性的东西这就是我们传承的文脉，接通文脉是学习的第一个阶段，在充分掌握领会“共性”的阶段，才能使自己的作品体现出深厚的文化底蕴，才能言之有物。但书法基础是中国绘画的根本，如这一环缺失的话，什么都谈不上，这是前提。

　　站在渐江的画作前，总感觉一种幽旷清逸之气扑面而来，他的画恬淡匀宁，清瘦俊洁，高简精谨，笔笔着意，一丝不苟。渐江的画受到倪云林、沈周及萧云从的影响。倪云林是“元四家”中格调最高者。他的画平淡疏远，清夐绝尘，直入神逸之品。而石田翁笔络宽厚、平实清正，气韵苍润。他仿云林笔意，终是韵不达意，原因是二人的笔性和情致相左。然而渐江能把二人之笔法巧妙的结合在了一起，自是一奇。渐江的作品继承了云林的天真淡简的神韵，吸取了沈周的厚朴笔法，在形式上旁依萧云从，结构上更有方意，笔法上更趋理性。他与八大山人在气格方面，无疑是“四僧”中最高的。

　　我早年就很喜欢石溪的作品，曾在我心目里的“四僧”中排到第二的位置，但进入老年后，渐渐的就不再感兴趣了，虽然他的画沉郁苍茫、涤荡陈趋，自成面目，但我总感觉他的气息不清澈纯净，隐隐透出点浑浊之气。中国传统文化对气的标准要求极高，这种气文化是不同于西方文化的，是标志性最高评判依据。总之，石溪在笔墨运用方面还是好的。

　　八大山人是“四僧”中人们最感兴趣的话题，后世评论最多，但以乎论调只有一个，就是在明鼎革、清人入主华夏后，他面对国破家亡境况选择了遁入空门，从此青灯古佛，冷眼观世，哭之笑之，寄悲愤于书画，以书画倾诉心中的压抑，“墨点无多，泪水多”是他的写照。我耽于八大山人的艺术研究三十余年，对于八大山人的理解，或与这些主流评论多有相违之处。我认为八大山人在当时险恶的环境中，有太多的无奈，在长期的精神和生活的双重压抑下，心态变形，以至疯癫是可能的，但情况不一定像我们想象的那样糟，因为他也有自己的一块独立的小天地，心中的净土，就是书画。我认为八大山人的书画不是悲愤的宣泄，而是在书画创作的过程中所产生的禅悦中寄托，平衡乃至享受愉悦。在书画中慰藉自己的身心，安置自己的灵魂。我认为八大山人并非真的疯癫，那是清高，目空一切旁若无人的呐喊和玩世而已。心中的压抑和痛苦可能会扭曲人的性格，但我相信八大山人的笔墨落在纸上的瞬间，他是超越了这些仇恨和抑郁的。在这个天人合一的境界中，他的心必是纯净的，沉浸在禅悦之中的。如果他不能超越这些苦难，他的书画不会达到这样高的境界。

　　应该看到八大山人作品还展示他幽默的一面，他画的带笑容的猫、兔子、各种鸟，都可以说明这一点。我不认为八大山人画鸟白眼翻上是冷眼厌世，而是为了画中取势的需要，如果把鸟眼的眼黑的部分点到眼中央，真的就失去了那种情趣。

　　在“四僧”当中，八大山人的书法造诣是最高的。这也奠定了他绘画方面的地位，他的画孤行法外、逸笔草草，迥出凡境，点划间意趣横生。这即发自其秉性和高深的文化素养，也来自其书法的功力。他的书法早年学黄庭坚，笔势外向，后来又受到魏钟繇和明未黄道周的影响，特别是他对篆籀金文的研究，他的书法蜕变成古逸奇宕、笔法内敛一路，用笔更加圆润朴厚，成就了他在画坛独步千古的地位。

　　石涛在“四僧”当中年龄最小，然而其绘画才能无疑是最高的，后来的追随者也是最多的，特别是他对生活，对大自然的感受能力是其他三僧所无法比拟的。他尽得天地之灵气，置乾坤于胸次，一山一水一木一屋随意挥洒、涉趣无尽、笔随心转、各尽其致。他的画在传承方面涉猎广泛，主要受沈周、董其昌和梅翟山的影响大，但他能脱尽恒蹊，不留痕迹，而出自己之面目。他画路宽广，变化莫测，无怪有人讲：“八大得艺之深，石涛得艺之广”。石涛的大画反而不如其小画精绝。他的画以诗性见长，小画又如诗中绝句，句句玑珠，情韵连绵，曲尽其妙，让人神趋其中。但由于石涛所处的环境和秉性上的原因，画中透出的气息不及八大和渐江更纯净清逸、略显烟火之气。学习石涛的人很多，但能成大器的人几乎不见，可能是学者的理念有偏，学习石涛是不能从技术层面着手的，石涛的成就不是在于他的技法，而是他对绘画的认识，是其与自然的关系和性情的释放，先要究其心、会其意，了解石涛为什么是石涛，要在精神层面上与其交流。要学习石涛有三个必备条件：(一)要有深厚的书法功底。这一点在古代是不用提及的，因为古人到了学画的年龄书法已都很了不得了。(二)对造化的感受能力，面对造化，很多人往往是有感无受，这对画画来讲无济于事。要做到青山解语，流水知心方可。(三)要具备一定的文学艺术素养。这些条件具备了，成不成就看学者的人品了，人品不好，什么都是空谈。

　　画展观后感10

　　观王炎先生画展有感

　　王炎是我青年时代的好友，我们交往已经有30多年了，说是好友，实际上是师长。因为按年龄，他应该是我的长辈;论资历，是我的前辈。好在他并没有长者的架子、前辈的威严，所以，我就可以和他胡侃神聊，无所顾忌，有时会争得面红耳赤，终了还是握手言和，但大部分的观点还是认识一致的。真可谓志同道合，情趣相投。他会隔三差五不请自到，来我画室坐坐，我有时顺便也会去他的画室看看，正应了：“相见亦无事，不来常忆君”那句老话。

　　年轻时的王炎长发披肩气质不凡，常常挎着个相机背着画夹东奔西跑摄影写生很有范儿，是个十足的文艺青年，收获过不少的回头率，风光无限。他后来创作的大量的风景画作品和那时的积累有很大的关联。

　　王炎早年在电影公司从事电影海报的设计、绘制工作，水粉画运用得游刃有余，电影宣传画曾多次参加全国，省美展并获奖。上世纪七十年代上大学是有种种限制的，需要各种各样的条件和机遇，他自学美术能参加全国大展，足以显示了他的绘画水平。他靠自己的聪明才智兴趣爱好，坚持绘画几十年，是美术界一名元老。退休后，他从工作生活的桎梏中解放出来，创作激情如火山迸发，不可阻挡，信马由缰，完全进入到癫狂状态，每日作画不止，他的微信画廊天天更新，作品源源不断，成了他精神上的故乡，并自嘲为“微领”。当一个人把艺术融为生活，生活作为艺术的时候，那他一定到了一个超然的境界，不是白痴就是天才。一个年近七旬的人有着如此饱满的激情，如此旺盛的精力，如果没有对艺术的敬畏和赤诚，是万万做不到的。

　　他几乎涉猎了所有的画种，油画、粉画、丙烯、水墨等等都是他创作的载体和媒介。他的作品色彩靓丽明快、充满激情和内在的张力，水墨作品则宁静稚拙、清雅文气，真不知道他怎样在这大起大落中进行情绪的转换，让人搞不清他是属于哪一部分的，无法归类。好在画的好坏并不以画种来划分，真正打动人的作品是不分东西南北、古今中外的，作品的好坏和绘画材料又有什么关系呢，十八般兵器都能玩的人才是一位真正的高人。英雄不问出处，英雄也不问来路，只要你的作品能独树一帜，能打动人，给人以启迪。俗话说，行家一出手，就知有沒有。王炎无疑是有两下子的，从他的画中能体会到。他就像一名体育比赛中铁人项目的选手。

　　我时常在思考，他饱满的激情和旺盛的精力源自何处，一定是来自他的內心，一颗充满生命活力和年轻的心，他才会永远保持着对未知的好奇和探索，对生命活力的向往和追求，才使他有着无限的创造力，才能释放出自己的真性情，才能打动观者的心。

　　我和他玩了几十年，至今仍未能从心所欲，是不是到了他那个年龄，也能像他一样在绘画上天马行空，由着性子任意驰骋呢?或许，也有可能吧!